现在有不少人利用电脑制作音乐，对于那些创作原创歌曲的人来说，电脑无疑是相当得力的助手，只要学会了正确的方法，就可以做出相当成熟的小样。现如今的电脑，处理数据的能力越来越强大，这使得我们可以轻而易举的同时处理上百个音轨或者在理论上是无限多个MIDI轨，然而如此强大的功能却给我们带来了另外一个问题。

很多经验不足的艺人（甚至是很有经验的艺术家）总是喜欢在他们的音乐里尝试录制尽可能多的音轨，就好像他们希望听众能够在几分钟之内了解到他们所有的想法，所有的技巧，所有的花样。这些人总以为能够填充每一秒的空间正是他们所需要的一切，恰好电脑强大的数据处理能力满足了他们的这种“欲望”。

但是我想告诉你们的是，这样做只会让你们的作品越来越糟糕——无论是从技术角度还是从音乐性上来说，这都是不理智的做法。两方面来说，首先从听众的生理角度来看，人的耳朵是有“过滤和筛选”能力，这是天生的。在听一首作品的时候，耳朵会主动去寻找那些最明显，最能吸引它注意的东西。对于没有经过专业训练的普通人（你的作品90%都是给这一类人听的）来说，他们的听觉只能同时集中在一条或至多两条旋律线上，如果同时出现过多的声音，耳朵会依照经验去选择他们最喜欢的声音并且忽略掉其他的声音。创作者不同，音乐是自己写的，编曲是自己写的，音轨是自己录的，对于在家作音乐的人来说，混音都是自己完成的，因此太熟悉了，以至于在聆听的时候不会遗漏任何细节，但是请务必考虑一下，是否大多数的听众能和自己做到一样的专注呢？

其次，录制过多的音轨对于混音来说也是一场灾难，尤其是当同一时间出现过多的素材的时候。我们都知道，混音的目的就是为了让所有的声音占据它们合适的位置，不要互相冲突，从而营造清晰和广阔的声场。可是听觉范围毕竟有限，当出现太多的素材的时候，究竟该如何取舍呢？还是全都堆在一起？后者的结果就是什么都听不清，浑浊一片。

大多数自己作音乐的人都不是专业的音频工程师，他们在混音的时候会想当然的认为如果希望作品听起来结识，饱满，就要尽可能多的录制音轨进行填充，不过非常遗憾的是，这种做法是完全错误的。

要讲述完全正确地方法同样也很困难，不过我们可以先问自己一个问题：为什么非常单调的配器（比如钢琴伴唱或是民谣的双吉他弹唱）往往会更容易吸引大多数人呢？答案就是：越少就是越多！就像很多伟大的音乐家那样，他们明白一个真理，音符之间的空间和音符是同等重要的。

很多专业的工程师会采用“减法”原则来处理这样的问题。无论你在录音的时候录制了多少素材，他们不在乎，在开始他们自己的工作的时候，他们会仔细聆听整个歌曲并且根据作者的意图进行取舍，删掉一些无足轻重的东西（这是一种减法），将重叠在一起的部分交错开（这也是一种减法），必要的时候调整均衡将不得不同时进行的素材在音频角度上区分开来（这同样是一种减法）等等。总而言之，最终的目的就是用最简单的方法得到最满意的效果，并且让剩下的音轨更好的融合在最后的混音里。

然而完成上述的工作耗时耗力，并且需要很专业的技术，这并非每一个人可以做到的。我们自己作音乐，就不可能再花钱去请专业的混音师，这样违背了初衷，是不太可行的方案。不过当你明白了混音师的工作目的和手段，你就可以在一开始就让整个工作变得简单一些，关键就在于：编曲——和作词，作曲同等重要。

简单的说，编曲就是将乐器组合成很多部分，确定每一件乐器在每一个部分如何演奏，并且保证它们互相之间配合的天衣无缝。一个糟糕的编曲无非具备以下特征：在同一时间内出现太多的乐器或乐器组，乐器之间在旋律和节奏上互相冲突。最终的结果就是让听众难于把注意力集中在关键的编曲元素上。在你开始混音工作之前，最好反复检查和修改你的编曲，依照我的经验在编曲上花的时间再多都是值得的，它不同于作曲只是对音乐性的提升，也不同于录音和混音是对技术性上的提升，编曲的成功将会给这两方面都带来显著的益处。

有一本书叫做“The Mixing Engineer's Handbook”，里面对于编曲的方法提出了独到的简介，我在这里简要阐述一下。

我们把整个编曲分成几个部分，并且称之为“元素”，绝大多数情况下，编曲是由一下几个元素组成的。

基本节奏：通常是打击乐（鼓）和低音乐器（贝司）或是其它演奏一样的基本节奏的乐器（吉他，键盘等）

附加节奏：演奏和基本节奏不相同或是相互对应的节奏的乐器

铺垫：弦乐，管乐，键盘，合成器等演奏长的音符或和弦

领奏：主唱或是其它乐器的独奏

填充：填充领奏的空间或是和领奏相呼应的短小乐句或者连复段

根据书中作者的经验（请相信一件事情，这些都是专业的经验），几乎所有成功的歌曲都不会在同时出现四个以上的元素（四个都已经是很极端的情况了），三个元素通常会比较好，出现五个元素简直可以当做奇迹了。有一点是应该注意的，以上的每一个元素都可以包含不限制数目的乐器，关键就是同属于一个元素的乐器都应该演奏相同和相近的内容，彼此之间没有冲突，并且在音色上应该搭配得当。所以你不用担心因为限制同时出现的元素而使得你的乐器没有用武之地。

事实上，同时出现的元素越少，每一种元素所拥有的空间就更广泛，更有利于元素发挥自己的功能对整个音乐进行填充，这就是为什么说越少就是越多。

举个很浅显的例子，你会让主唱和乐器独奏放在一起么？为什么不呢？因为它们会冲突，这就是说同时出现了两个领奏元素，其结果就是毁灭性的。同样，你可以对其他所有的元素做这样的分析。比如说在同一个部分已经有一个乐器演奏分解和弦（这个其实属于附加节奏），那么再添加一个分解就显得多余了（除非你的编配非常完美，这需要时间和技术），如果改成一个铺垫元素效果就会好的多。

另外一个技巧是交错进行。如果在5秒内同时出现多种元素，也不一定就非要去掉多余的部分，如果它们都很出色的话，你可以让一部分出现在前几秒，然后让剩下的部分出现在后几秒，只要衔接的好就不会有问题。最典型的例子就是主旋律一句，后面接一个填充的加花来填补空间。当然了，有时候故意不填充而把空间露出来也是比较好的方法。

无论希望怎样做，请记住一句话，把你的作品当成一个人来看待，它不能从头到尾密集的工作不停，它同时能处理的事情有限，而且它还需要适当地空间喘口气。

我们也不能排除需要同时面对很多元素的情况，那么就需要在混音上下点功夫了。

混音能对歌曲作很多修饰和改变，针对编曲的问题我举一个简单的例子：

一个作品的低音部分是混音最难搞定的部分，因为很难得到一个厚重结识的低音，并且还要保持音符的冲击力。通常关键就在底鼓和贝司上，你需要让他们配合的很好。底鼓和贝司的频率重复的地方很多，你可以试着用均衡器扫波的方法去分别寻找它们的音头在哪个频率上，然后对这些频率进行处理，尽量让它们各自占据自己的空间不要互相干扰。这样就可以让底鼓和贝司都能听清楚了。同时还要保证其它的乐器在它们的频率范围内没有和底鼓贝司重叠的部分，试着用低切均衡和一个高通滤波器来处理这些乐器。

摇滚乐，特别是重金属音乐，因为贝司强烈的失真和非常饱和的低频会造成底鼓无法和贝司同时占据相同的频率空间范围。迫不得已，我们只能消除底鼓的低频部分来突出贝司，同是我们强调底鼓的鼓皮和踩槌撞击的声音来使得底鼓可以听清楚。